Живопись Ивана Черного

Как однако же славно и просто в одиночестве бресть по пескам, когда сам себе бог и апостол, и все то, что так долго искал.

Валерий Клебанов.

О творчестве Ивана Черного знают все, кто следит за культурой жизнь города. Начиная с 1952 года, он — постоянный участник выставок, один из ведущих сочинских художников послевоенного поколения. Неоднократно Иван Черный представлял свое творчество на персональных выставках. Его уважают как состоявшегося мастера, а недавняя кардинальная смена стиля в живописи художника поразила всех как яркое свидетельство непрекращающегося саморазвития и душевной молодости.

Юбилейная выставка 2005 года наглядно разворачивает перед зрителем творческую биографию художника. Но она же неотделима и от его жизни в целом: характер, темперамент, мироощущение автора наполняют все, к чему прикасается его кисть. Многое определила в судьбе Ивана Черного Великая отечественная война. Сложное ранение навсегда легло тяжким грузом. И на выставке, помимо изумительно радостных, колористически праздничных натюрмортов и пейзажей присутствуют работы совершенно иного звучания. Портреты «госпитальной» серии — то не просто графические штудии.

Нетрудно себе представить художника с листом бумаги и карандашом, который через сострадание пытается побороть собственную боль. Еще откровеннее выражена трагедия военного поколения в картине 1965 года «Болят старые раны». Экспрессивность художественного решения выявляет главную мысль: все пространство для человека сжалось до пределов измученного тела. Художник показывает то лицо войны, которое знал и видел воочию.

Осмысление войны через творчество у Ивана Черного начинается с середины 60-х, ровно с сорока лет. Более ранний выбор тематики молодого художника, окончившего в 1951 году Одесское художественное училище по-своему красноречив: уже сами названия работ - «Осенние березы», «Кафе», «Солнечный день», «Рица. Мыс Пицунда», «Золотая дорога», «Оксана», «Пейзаж с осликами» говорят о безмерной жажде жизни человека, познавшего войну. Он словно пытается до времени забыть о пережитом, до полна насладиться красотой природы, блеском солнца, ароматами и красками земли.

В 60-е годы взгляд художника обращается к человеку. Иван Черный создает целый ряд протретов: «В.Н.Майяков», «И.Ф.Прасолов», «Портрет инвалида ВОВ», «Василий Иванович», «Со слуховым аппаратом» и др. Они очень разные по написанию, словно автор для каждого конкретного человека искал соответствующий стиль и манеру исполнения. В портрете Майякова (1964) цвет суховат, мягок, сдержан; в портрете инвалида войны (1968) основную роль на себя берет активность красочного слоя, движение мазка. Всматриваясь в лица, художник старался уловить главное — основную интонацию человека и выразить ее живописными средствами.

Особой страницей в творчестве стала работа над образом Н.А. Островского. Для Ивана Черного писатель был не только символической фигурой того времени. Физическое страдание и духовное ему сопротивление были знакомы художнику по личному опыту. И все же он не отказался от должного пафоса: аскетичность цвета и композиции в стиле «суровых» и определенность душевного стостояния героя отвечают канонической трактовке его образа. Литературный музей очень гордится наличием в своем собрании картины «Рожденные бурей» («В.П. Чкалов и Н.А. Островский». 1967). Она пережила пик своей актуальности и осталась художественным явлением, выражающим круг известных идей.

Серьезные и достаточно жесткие по характеру работы Ивана Черного действительно занимают особое место в его творчестве. Тем не менее, он всегда тяготел к жизнеутверждающему искусству: постепенно его гамма высветляется, расцвечивается, он пишет в основном натюрморты, пейзажи. Большая серия его работ посвящена Кубани. Отображая увиденное в природе, художник всегда решает увлекательные живописные задачи. В натюрморте «Мимоза» (1973) ослепительные желтые ветки — это повод написать красочное многозвучие, виртуозную игру мазков: округлых и удлиненных, пастозных и разряженных. В результате - натюрморт, от которого невозможно оторвать глаз — яркий, ликующий, эффектный. Картина «В саду» (1970) вызывает интерес, в первую очередь, своей сюжетно-содержательной стороной, но сама живопись этой вещи тоже имеет свою интригу, свое развитие в характере письма, разности фактуры, широте цветового диапазона. Картина «Игра в мяч» (1985) отражает те сюрпризы, которые уготавливает нашему зрительному восприятию природа. В свете закатного солнца все теряет свой исконный цвет и преобразуется в другую словно инопланетную реальность. Поверхность холста «Игра в мяч» плотная, коркообразная, красочный слой как будто прикипел. Автор никогда не повторяет из раза в раз найденные приемы, а постоянно ищет новую убедительную художественную форму.

Представленные на выставке разножанровые произведения, безусловно. Вызовут заслуженные восторги. Но сам художник стал до обидного равнодушен к своему вчерашнему творчеству. Ивана Черного интересует только настоящее, то, что он делает сейчас. Как тут не восхититься человеком, столь свободным от груза собственности — даже творческой!

С конца 90-х Иван Черный совершенно меняется: начинает работать в новой технике, им же изобретенной, иной становится направленность его искусства. Художник словно пресытился отображением форм видимого мира — он отходит от фигуративности в сторону абстрактной живописи.

Загадочные композиции ивана Черного — это выражение в красках и линиях бесконечного потока внутренних переживаний, состояний, импульсов. Это максимально личное, совершенно независимое от чьих бы то ни было ожиданий и вкусов искусство. Невероятный подъем, который испытывает художник, подсказывает ему: вот — подлинное, истинное.

Здесь нет никакой измены прошлому, а есть главное: смелость соответствовать себе настоящему. Кроме того, художник получил ту свободу колоризма, о которой подспудно мечтал: цвет, непривязанный к формам внешнего мира у Ивана Черного настолько самодостаточен, что позволяет себе играть с нашим восприятием. Он то вибрирует, то успокаивается, то замирает, то снова начинает «дышать». Каждая композиция — как открытая дверь в фантаастически странный мир, вступая в который, на удивление быстро подстраиваешься под правила его и законы. Непроходимый лес тут же может превратиться в сказочный замок, снежный вихорь — в карнавал масок, а загадочное соотношение линий и цветовых пятен настроит на ясное, гармоничное состояние души.

Показанная в рамках этой выставки эволюция от изображения действительности к абстракции пусть не покажется плавной, но она имеет определенную логику. Как мы видели, в ранних работах взгляд художника обращен к природе, позже — к человеку, а теперь все его внимание сфокусированно на собственном внутреннем мире. Нынешнее творчество художника особенно интересно, потому что идентично ему сейчас — тому, кого мы видим на открытии этой выставки, с кем разговариваем. Главное впечатление — его интерес к жизни остается на уровне молодого активного человека. Этим объясняется всеми признанная энергичность его работ, их многообразие. Профессионализм и свежесть чувства, культура цвета и свобода письма определяют лицо этого очень современного художника. Не в обиду сказано, но многие молодые по сравнению с сегодняшним юбиляром покажутся чопорными традиционалистами.

Зрители абсолютно разных эстетических предпочтений испытают на этой выставке радость общения с искусством. Пейзажи, натюрморты, сюжетные картины, абстракции... И все это один художник. Но как бы не менялось со временем его творчество, неизменным остается все то же, что составляет и суть человека: мера таланта, темперамент, жизненное настроение.

Старший научный сторудник Сочинского художественного музея, Черватюк, Л.Р.